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Philip Loersch im Gespräch mit Celina Basra

Ausgangspunkt ist immer wieder die Lust am Zeichnen

Philip Loersch interessiert die Sichtbarmachung von Wissen und Wissensstrukturen. Und auch die Vorstellung, dass Michelangelo die Figur im Stein sichtbar machte und nicht den Stein zur Figur formte. Er ist kein Kopist – wie der Protagonist in Nikolai Gogols Novelle Der Mantel, die zu seinen Inspirationen zählt – sondern ein Zeichner durch und durch, der Material exakt wiedergibt, transformiert und gleichzeitig auch den Mut besitzt, es wieder zu zerschlagen.

So entstehen seine quasi-archäologischen Fundstücke: Splitter steinerner Reclam-Hefte, die ihre papiernen Vorbilder überdauern werden, sich aber niemals lesen lassen. Die Idee der Texte ist jedoch immanent im Stein anwesend. Die Steine können nun tatsächlich sprechen.

Der Titel der Ausstellung ist eines jener Graffiti aus Pompeji, die als eingeritzte Zeichen in Stein bereits lange überdauern und eine der Quellen für die Positionen der Ausstellung sind. In Loerschs steinernen Skulpturen wird Schrift zugleich das, was es ohne Lesen ist – ein Zeichen. Ein in die Wand geritztes Ich war hier.

Wo liegt der Ursprung Deiner Beschäftigung mit Büchern und Schrift? Gab es einen ersten Impuls?

Der Ursprung liegt in meiner Auseinandersetzung mit wissenschaftlichen Texten. Irgendwann habe ich gedacht: diese Buchseite, mit der ich mich gerade beschäftige – warum zeichne ich nicht genau diese Seite und den Text darauf?

Wenn ich Steine verwende, und auf ihrer Oberfläche malerisch und zeichnerisch ein Buchcover simuliere, passiert ein Buch nur noch als denkbar. Das Buch ist als Idee und als Möglichkeit darin anwesend, doch ich kann es nicht mehr aufschlagen. Aber vielleicht entfaltet es genau darin mehr Möglichkeiten. Wenn Lesen reibungslos funktioniert, lesen wir ohne den Text zu sehen.

Was ist Zeichnung und was ist Schrift? Für mich spielen diese Unterscheidungen keine so große Rolle. Bei mir wird auch die gedruckte Schrift wieder zu Handschrift. Und am Ende ist alles Zeichnung.

Es gibt zahlreiche Übungen für Autoren, die unter Schreibblockaden leiden: Walter Benjamin bedeckte Papierseiten mit ornamentförmigen Schriftzeichnungen. Eine andere Empfehlung ist es, existierende Texte anderer Autoren abzuschreiben. Ein Weg den spezifischen Rhythmus und die jeweilige(n) Stimme(n) der Texte nachzuempfinden – ein Einverleiben von Textmaterial.

Ich denke bei meiner Arbeit oft an Mönche, die als Kopisten Manuskripte abschreiben – und stetig weiter wachsende Palimpseste erschaffen. Einverleiben ist dafür ein schöner Begriff. Interessant ist hier auch Nikolai Gogols Novelle Der Mantel, eines meiner literarischen Vorbilder für die Reclam-Scherben, die stets auch inhaltlich relevant für meine Arbeit sind.

Die Novelle handelt von Akakij Akakijewitsch, der jeden Tag in einem russischen Ministerium langweilige Akten abschreibt. Er liegt Abends im Bett und fragt sich, was Gott ihm wohl morgen für neue Akten senden wird. Also die Idee der von Gott gesendeten Schrift. Diese Erzählung war für mich ein Ausgangspunkt – da ich ebenfalls Schrift abschreibe, die in gewisser Weise Teil von mir wird.

Dem Betrachter Deiner Arbeiten kommt gleich die Wendung in Stein gemeißelt in den Sinn.

Ein wichtiger Gedanke meiner ersten Buch-Arbeiten in Stein war tatsächlich die Idee des Überdauerns, eben Dinge in Stein zu meißeln. Eines der ersten Bücher, welches ich in Stein umgesetzt habe, war Euklids Elemente. Ein Klassiker der exakten Wissenschaften. Der Ausgangspunkt einer anderen Steinarbeit waren Leibniz' Gedanken zu eingeborenen Ideen. Menschen würden nicht geboren wie leere Wachstäfelchen, sondern wie Marmor, der schon die Adern für die zukünftige Gestalt in sich trägt.

Du zeigst eine neue großformatige Zeichnung verschiedener menschlicher Hände in unterschiedlichen Gesten – der Titel ist Lieblingsbuchstaben. Besonders die Adern sind zeichnerisch sehr subtil und stark herausgearbeitet. Dieses Detail berührt. Gibt es einen Bezug zu Leibniz' Adern?
Der Bezug war nicht initiierend für diese Buntstiftzeichnung – aber er passt tatsächlich. Ich habe mich in den letzten Jahren sehr viel mit meinem künstlerischen Material auseinandergesetzt: Bleistifte, Zollstöcke, und so weiter. Gegenstände, mit denen ich arbeite. Auch die Bücher sind ein Material. Und ein weiteres und sehr wichtiges Werkzeug ist meine Hand. Hier geht es, ganz konkret, um Handschrift und um Gesten: wie man mit Händen kommunizieren kann.

Mein Ausgangspunkt ist immer wieder die Lust am Zeichnen. Die ist bei mir unglaublich groß. Jedes Kind fängt mit Zeichnen an. Ich habe nie aufgehört – und schnell festgestellt, dass ich eine viel stärkere Verbindung zur Linie habe, als zur Farbe. Ich arbeite sehr zeitaufwendig und rational mit dem Medium Zeichnung. Genau das mag ich aber auch. Ratio und Logik sind in meiner Arbeit wichtig. Wenn etwas inhaltlich logisch aufgebaut und stimmig ist, hat es eine andere Ästhetik, als wenn es falsch ist. Auch und besonders in der Mathematik. Ich behaupte, dass eine richtige Berechnung auch sinnlich schöner empfunden wird, als die falsche..

Aus der inhaltlich ästhetischen Buchseite (schön, da sie logisch ist) wird dann eben auch ein sinnlich als schön erfahrbares Kunstwerk?
Genau. Es entsteht jedoch eine besondere Spannung, wenn Sujet und Darstellungsweise im scheinbaren Gegensatz zueinander stehen. Da gibt es einen schönen Satz von Gogol, der sich über eine gesamte Buchseite erstreckt. Ein großartiger Satz, der nur aus Nichtigkeiten besteht. Gogol benutzt zweimal darin die Wendung mit einem Wort. Was natürlich völlig absurd ist, aber auch herausragend: der Inhalt steht im Gegensatz zur Feierlichkeit und Ausführlichkeit der sprachlichen Form. Genau das trifft auch auf meine Zeichnung des Rentenbescheids zu. An jedem Grashalm sitze ich unendlich lange – und schließlich zeigt die Zeichnung nur einen Amtsbrief.

Angesichts dieser unendlich feinen und detailreichen Zeichnung fragt man sich sofort: Wie lange hat der Künstler dafür gebraucht? Zeit spielt – in der Rezeption – gleich eine Rolle.
Zeit als Thema interessiert mich tatsächlich gar nicht. Sonst könnte ich auch solche Arbeiten nicht machen. Aber der Tag hat nur eine begrenzte Anzahl von Stunden, und natürlich muss ich eine Struktur schaffen: ich zeichne jeden Tag 8 Stunden. Und wie Gogols Figur Akakij Akakijewitsch arbeite ich sehr diszipliniert. Die Lust am Zeichnen ist extrem groß, aber in der Umsetzung verstehe ich es als Handwerk. Im Wort zeichnen steckt auch ziehen – to draw, im Englischen wird es noch deutlicher. Zeichnen bedeutet bei mir also Arbeit. Ich habe mit dem Begriff Handwerk überhaupt kein Problem. Hand und Werk. Ein sehr schönes Wort. Auch wichtig: ich mache künstlerische Arbeiten, um sie zu zeigen. Ich möchte, dass andere Menschen sie anschauen – und bin sehr neugierig auf die Reaktionen der Betrachter.

Handwerkliches Können fasziniert nachhaltig. Dieser alte Satz: Das kann ich auch. Das funktioniert hier nicht. Zeit interessiert Dich nicht. Du bist trotzdem pünktlich?
Sehr pünktlich!

Philip Loersch in conversation with Celina Basra

My starting point is always the pleasure of drawing

Philip Loersch is interested in making knowledge and knowledge structures visible – as well as in the idea that Michelangelo made visible the figure inside the stone rather than sculpting the stone into a figure. He is not a copyist – such as the protagonist in Nikolai Gogol’s novella, “The Overcoat,” which he counts as one of his inspirations – but a draftsman through and through, who represents his material exactly, who transforms it and who simultaneously has the courage to smash it to pieces thereafter.

This is how he creates his quasi-archaeological finds – splinters of Reclam booklets made of stone that outlive their papery predecessors, but that can never be read. The idea of the text, however, immanently preexists in the stone. The stones can now indeed speak. The title of the exhibition comes from one of those graffiti in Pompei that have been able to endure for a long time in the form of signs scratched into stone and that constitute one of the sources for the statements made by the exhibition. In Loersch’s stone sculptures, writing becomes what it is when there is no reading – a sign.

An I was here scratched into the wall.

What is the origin of your interest in books and writing? Was there a first impulse?

The origin lies in my dealing with scientific texts. At some point I got the idea: This page in this book that I’m just now dealing with – why don’t I draw exactly this page and the text on it? When I’m using stones and draw and paint a simulated book cover on the surface, then a book occurs that is only thinkable. The book exists inside the stone as an idea and as a possibility, but I can’t open it anymore. But maybe it’s just at this point that it develops more possibilities. When we can read effortlessly, we read without seeing the text. What is drawing and what is writing? For me, such distinctions are not so important. In my works, even the printed script once again becomes handwriting. And, in the end, all of it is drawing.

There are several exercises for authors who suffer from writer’s block: Walter Benjamin covered pages of paper with quasi-ornamental script drawings. Others recommend copying existing texts written by other authors. It’s a way to feel the specific rhythm and mood(s) of the other texts – a kind of incorporation into oneself of text material.

With respect to my work, I often think of monks who copy manuscripts in their capacity as copyists – and thus create perpetually expanding palimpsests. Incorporation is a nice term for that. Also interesting is Nikolai Gogol’s novella “The Overcoat,” one of the literary models for the Reclam shards; the novella is always relevant for my work on the level of contents.

It is about Akaky Akakievich who, every day in some Russian Ministry, copies boring files. At night, he lies in bed and asks himself what sort of new files God will send him the next day. That is, here’s the idea of writing as something sent by God. This story was a starting point for me – since I too copy writing that in a way becomes a part of me.

Viewers of your work immediately think of the idiom written in stone.

An important idea for my early stone books was indeed the notion of enduring – of writing things in stone as it were. One of the first books that I turned into stone was Euclid’s Elements – a classic of hard science. Another stone work originated in Leibniz’s thoughts on unborn ideas. People are not born as though they are empty little wax tablets but like marble that already contains within it the veins for its future configuration.

You are showing a large-format drawing of different human hands engaged in various gestures. The title is: “Favorite letters.” The veins are drawn with a special subtlety and strength. That’s a stirring detail. Is this a reference to Leibniz’s veins?
That reference was not what initiated this drawing in color pencil – but it quite actually fits. In the past few years, I have thought a lot about my work materials: Pencils, rulers, and so on, objects I use in my work. The books too are a kind of material. And another and very important instrument is my hand. It is quite literally all about handwriting and gestures: how to communicate with one’s hands. My starting point is always the pleasure of drawing. That pleasure is incredibly strong for me. Every child starts with drawing. I have never stopped – and quickly noticed that I have a much stronger connection to the line than to color.

My work is very time-consuming and I am very rational when dealing with the medium of drawing. And that’s just what I like about it. Reason and logic are important to my work. When something has a logical structure and an integral coherence, then it has a distinctive kind of aesthetics, one that differs from something that is wrong. The same is true – and especially so – in mathematics. I argue that a correct calculation is felt to be more beautiful even on the sensual level than an erroneous one.

The page in a book that contains subject matter considered aesthetic (beautiful, because logical) thus becomes a work of art we can sensually perceive as beautiful too?
Exactly. However, there is a special tension that develops when subject matter and aesthetic representation seem to contradict each other. There’s a beautiful sentence by Gogol that takes up a whole page – a magnificent sentence that contains nothing but platitudes. In it, Gogol uses the idiom in a word twice, which of course is absolutely absurd. However, it is also outstanding: The subject matter stands in contrast to the solemn tone and elaborate detail of the verbal form. The same thing can be said about my drawing of the pension statement. I take an inordinate amount of time for every leaf of grass – and in the end the drawing shows nothing but an administrative letter.

Looking at this infinitely fine and detailed drawing, we immediately wonder: How long did the artist take to draw this? At once, time plays a role – for the viewer.

Time as a topic in fact does not interest me at all. Otherwise I would not be able to create such works. But there are only a certain number of hours in the day, and, of course, I have to establish

a structured schedule: Every day, I draw for 8 hours. And like Gogol’s character, Akaky Akakievich, I am very disciplined when I work. My desire to draw is extremely strong, but when implementing it, I treat drawing as a craft. The word ‘to draw’ also contains the idea of pulling – this is very clear in the English language. For me, drawing thus also means working. I don’t have a problem at all with the notion of ‘craft,’ or (closer to the German) handiwork. Hand and work: a very nice word. What’s also important: I create artworks to show them. I want other people to see them – and I am very curious about their reactions.

Skilled craftsmanship keeps fascinating us. This old phrase: I can do that too! That one doesn’t work here. You are not interested in time. Are you on time in spite of that?
Very much on time!